① 吕思勉：《隋唐五代史》第十九章《隋唐五代人民生活》。 .37
（4）李重润墓壁画墓主李重润为唐高宗李治及武则天之孙，中宗李显的长子，公元701 年死于洛阳。中宗复位后于706 年追封为懿德太子，祔葬乾陵，其墓位于陕西省乾县。该墓发掘于1971 年7 月。
墓葬全长大约100 米，由墓道、6 个过洞、7 个天井、8 个小龛、前甬道、后甬道、前墓室、后墓室等8 个部分组成，规模宏大。在墓道、过洞、天井、甬道、墓室内，都绘有精美的壁画。据统计全部壁画面积近400 平方米，其中比较完整的有40 幅。
墓道入口处两侧绘楼阁仪仗、青龙、白虎。楼阁城阙巍峨壮观。城内大批仪仗队作出城行进状，仪仗队包括车队、骑马仪仗及步行仪仗队。据《旧唐书》、《唐六典》等书有关唐仪卫制度的记载，结合壁画考证，确定为《太子大朝仪仗图》。墓道北壁顶部墙面有建筑画一幅，与东西两壁的楼阁城墙构成一组完整的唐代建筑图，这一题材在陕西省唐墓中尚为首次发现。第一过洞东西两壁绘《驯豹图》。第二过洞东西两壁绘有架鹰、架鹞男侍。第三过洞东西两壁各绘有内侍7 人。第六过洞东西两壁绘有手抬大炭盆的侍女。第一天井东西两壁绘有大型戟架，东壁列戟12 竿，西壁列戟13 竿。第二天井东西两壁的大型戟架，均列戟12 竿。据《唐六典》、《新唐书》记载，列戟是属于帝王一级的仪仗制度。第三天井东西两壁绘有车及随从男侍。甬道东西两壁绘各种侍女，有的手捧包裹、有的手捧三足盘、有的手捧蜡烛台，表现了墓主人的宫廷生活。甬道顶部平棊有团花、宝相花、海石榴等图案花纹。前墓室东壁红柱两侧各绘7 个侍女，手中捧持烛台、盘、包裹、瓶、杯、团扇等日常生活用具。西壁与此相似，南壁门洞两侧各绘侍女2 人。后墓室顶绘银河和星辰，东西两侧绘有象征日、月的金乌、蟾蜍。东壁画柱两侧分别绘侍女9 人，手持各种生活用具和乐器，北壁绘有侍女4 人。
李重润墓壁画题材丰富，是了解唐代皇室埋葬制度、宫廷生活的重要资料。壁画构图宏伟，技艺精湛，山水楼阁以青绿、朱赭等颜料进行重设色，取得了富丽强烈的效果，显示了唐初人物画、山水画、宫室画的时代风貌。（三）山水画山水画在中国绘画史上占有特殊的地位，但它是出现较迟的画科。山水画在汉代开始萌芽，到了魏、晋、南北朝，才有了迅速的发展，而且成为独立的画科。六朝时，山水画的技法仍是很简单。隋代山水技法上已有长足进展，六朝山水的缺点已不存在了。展子虔的《游春图》就是最早的山水画。唐代山水画已进入成熟时期，因而有各种风格竞相出现的繁荣局面。总的说来，唐代山水画开创了两大流派：一派是青绿山水，它继承了隋代展子虔以来的传统表现方法，更加完善，大有提高，发展成为工细巧整、金碧辉煌的风格，即为后世所称的"北宗山水"，它以李思训父子为代表。另一派是水墨山水，这是唐代兴起的山水画的变法。这一派的始创是吴道子，但他的主要精力毕竟在人物画方面，所以张璪成为"南宗山水"的代表，王维则被奉为南宗画的始祖。
五代是宋代山水画鼎盛的准备阶段。这一时期的山水画，无论在创作思想上，还是在观察方法与表现方法上，都达到前所未有的高度。大有"千山竞秀，万壑争流"之势，荆浩就是一个突出的山水画家。
1。展子虔及其作品展子虔（约公元550-604 年），渤海（今山东阳信）人，历经北齐、北周、隋三个朝代，曾为隋文帝所召，任朝散大夫、帐内都督等职。
唐代张彦远评展子虔为"触物留情，备皆妙绝"的无所不能的画家。在他的笔下，无论是台阁、人马、山川，都能栩栩如生，他擅长画道释人物，在大江南北的寺观中留下不少壁画，可惜现在绝无一存。汤垕的《画鉴》评他的人物画"描法甚细，随以色晕"，这是在勾线的传统画法上加晕染，增强立体感。因此，他的人物画具有"神采如生，意度具足"的特点。赵佶也赞扬他"凡人所难写之状，子虔独易之"。展子虔的车马杂画也很突出，张彦远评他："车马为胜"，董逌在《广川画跋》中评他画马："立马有走势"、"卧马有腾骧起跃势"，颇具"传神"之妙。而《宣和画谱》评他的山水画为："善画台阁，写江山远近之势尤工，有咫尺千里之趣。"从这些记载中，证明展子虔对各个画科都很精到，所以美术史家们把他与顾恺之、陆探微、张僧繇合为唐以前最杰出的四大画家，有"唐画之祖"的美称。
展子虔一生绘画的作品很多，主要有《法华经变》、《授塔天王阁维摩像》、《北齐后主幸晋阳图》、《朱买臣覆水图》、《长安车马人物图》、《弋猎图》、《披鹰图》、《十马图》、《游春图》、《南效图》等，并传于后代。故宫博物院现仅存绢本设色《游春图》一轴。这幅图无款，却有宋徽宗题字"展子虔游春图"，从北宋一直流传至今。
《游春图》是经过历代皇家贵族及其他收藏家辗转珍藏而保存下来的艺术珍品。它处于自出现山水题材以来一直是青绿着色的不成熟的青绿山水画，向成熟的李思训父子的金碧山水画转化的关键地位。因此，它在山水画发展中具有承前启后的特殊作用。
《游春图》全图描绘官贵士人在风和日丽、春色宜人的季节，到都城郊野"踏青"的游乐情景。画面上展现出初春的宜人景色：辽阔的江面，水波荡漾；茂密的树丛，嫩芽初吐；远山笼翠，白云缭绕；堤岸迂回，曲径通幽。春游人物点缀其间，或策马，或曳杖，或乘船泛游，或仁立闲眺，均姿态各异，怡然自得。所画四马，依次前行，一为前导缓行，二为昂首疾步，三为扬蹄奔跑，四为低首紧追，生动有趣，为静穆的山水平添蓬勃生气。所画的景物，比例适当，布局得体，轻重有致，表现了空间的深度，使人游目骋怀，如临其境。后人对《游春图》颇为赞赏，为其所作的诗跋有多种。其中元人有题诗云："暖风吹浪生鱼鳞，画图仿佛西湖春。锦。。诗人两相逐，碧山桃杏霞初匀。粉阶朱槛眼欲醉，垂杨浅试脩蛾颦。人间别自有蓬岛，仙源之说元非真。危桥凌空路欲转，飞流直下烟迷津。画船也有诗兴好，婵娟未必飞梁尘。两翁隔水俯晴绿，韶老似酒融芳晨。望中白云无变态，我欲乘风听松濑。落花出洞世岂知，瑶池池上春千载。"这对《游春图》画面内容和深刻含意的揭示，可以说是"点睛"之笔。
《游春图》对具体树石的画法，只用勾勒而不用后代山水画中最重要的山石表现技法--皴擦法，但此图仍然对物象表现得曲尽其妙，其成功的关键就在于设色。明代鉴赏家詹景凤在《东图玄览》中对此图的设色作了详细的论述："其山重着青绿，山脚则用泥金，山上小林木以赭石写干，以水沉靛横点叶。大树则多钩勒，松不细写松针，直以苦绿沉点。松身界两笔，直以赭石填染而不能松鳞。人物直用粉点成后，加重色于上分衣折，船屋亦然。此殆开青绿山水之源，似精而笔实草草，大抵涉于拙，未入于巧，盖创体而未大就，。。"可见山水画的青绿设色至展子虔的《游春图》这里已发生了转变，逐渐趋向成熟，向金碧山水发展。
在透视关系的处理上，《游春图》已经把山水画发展成为具有较合乎比例的新布局了。与张彦远所形容的"水不容泛"、"人大于山"的魏晋山水画相比，不论是布局还是设色，都发生了巨大的变化。它的出现，预示着先代山水画的稚拙阶段已经结束，而"青绿重色，土细巧整"的成熟的金碧山水即将到来。
《游春图》是早期山水画的一幅代表作，历来被评论家们视为"开青绿山水之源"的重要作品，在山水画发展史上具有奠基的意义。
2。李思训及其作品李思训（公元651-718 年），字建，一作建景。他是唐朝的宗室，高宗时，他仅20 岁就少年得志"累转江都令属"，但很快碰上了武则天秉政，在垂拱四年前后，武则天大杀唐朝宗室，李思训就丢了官职隐藏起来，一直到唐中宗的神龙元年（公元705 年）初，武则天死后，他才公开露面，任左羽林大将军，晋封彭国公，以后又转为右武卫大将军，时人称他为"大李将军"。他们一家五人善丹青，其弟思诲、子昭道、侄林甫、孙李凑，在画艺上都有很高的造诣。特别是子昭道有"变父之势，妙有过之"之誉，因而被时人称为小李将军。
李思训和他的儿子李昭道直接继承和发展了展子虔一系列的山水画，借鉴和丰富了前人小青绿设色法，开创了"青绿为质，金碧为纹"的"金碧山水"画先声，形成我国山水画中独具特色的青绿山水画派。李思训的山水画，能比较真实地捕捉对象的情态，通过致密的描绘，构拟动人的意境。也就是《唐朝名画录》、《历代名画记》中所说的："思训格品高奇，山水绝妙，鸟兽草木，皆穷其态"，"其画山水树石，笔格遒劲，湍濑潺湲，云雾缥缈，时睹神仙之事，窅然岩岭之幽。"他的青绿山水画金碧辉映，富有真实感，所以在当时特别受推崇，被《唐朝名画录》称为"国朝山水第一"。唐弁融在《题思训山水》诗中进一步评述说："卜筑藏修地自偏，尊前诗酒集群贤。丰岩松瞑时藏鹤，一枕秋声夜听泉。风月漫劳酬逸兴，渔樵随处度流年。南唐人物依然在，山水幽居胜辋川。"可见其山水画之奇妙胜境。因此，对李思训山水画有这样的传说："明皇召思训画大同殿壁兼掩障，异日因对语思训云：'卿所画掩障夜闻水声，通神之佳手也。'"当然不是画的水真正有声响，而是形容李思训技艺高明。朱景玄在《唐朝名画录》中还记载李思训曾在大同殿上与吴道子一起作画，明皇看后说："李思训数月之功，吴道子一日之迹，皆极其妙也。"这段艺林佳话，尽管只是一个传说，因为李思训死于开元六年，不能设想他在死后20 多年还与吴道子一起作画。但这个传说多少反映了人们对两位大师的景慕之情。
李思训的作品传世极少，现在能见到的《明皇幸蜀图》、《青山行旅图》、《宫苑图》等虽属李氏流派，但皆为后人摹本。因此，《江帆楼阁图》就成了研究李思训山水画风格和中国古代山水画特色的珍贵作品了。
《江帆楼阁图》，绢本，青绿设色画。图中的收传印记有"缉熙殿宝"、"安"、"仪周鉴赏"等。宣统渚玺《石渠宝笈》原来未曾著录。该画上部江天浩渺，风帆溯流，展现了千里之遥的纵目境界。左下部为长松秀岭，碧殿朱廊。在翠竹茂林的掩映之下，山径蜿蜒曲折，点景人物中，或乘骑蹲道，或闲步同游，或肩挑背负，缓行于桃红丛绿之间。满山的古树苍枝，杈槎交纵，状如屈铁。藤条绕柯，盘根错节，更给画面意境增添了古朴的气氛。全图峰峦连绵，境界雄远，结构新颖，笔墨工致，无论是青绿着色，还是朱墨皴染，都有入木三分之妙。特别是由于画家出身豪门，对宫苑的楼台殿阁和树石山泉，本来就非常熟悉，再说他又有一手"界画"的高超技艺，笔调上以劲健见长，善于在精绘妙制之中，求工细巧整和古雅厚实之趣。因此，表现在《江帆楼阁图》中对山水、人物、建筑的刻画，以及赋彩染色、钩斫填皴等技法，都达到了自成家数的境地，真是"风骨奇峭，挥扫躁硬"，进而使画面状山水之貌而气势无穷，发景外之趣而余味不尽。
从《江帆楼阁图》我们可以看出李思训的画法有四方面的贡献。第一，在意境方面，李思训"画夺造化"的艺术魅力远胜前人。第二，在用笔方面，李思训改变隋代细润勾斫的特色，开创了"此宗画法"。第三，在设色方面，李思训发展了展子虔的青绿设色，使画面金碧辉煌。第四，李思训的界画水平极高，对后世产生巨大的影响。从这里，我又可以看到青绿山水画成长发展的轨迹，李思训所代表的青绿山水派和盛唐以后兴盛起来的水墨山水，为晚唐五代山水画的成熟准备了条件。
3。王维及其作品王维（公元701-761 年），字摩诘，太原祁（今山西祁县）人。开元进士，官至给事中。因安禄山陷长安时曾受官职，乱平，降为太子中允。后官至尚书右丞，故世称为王右丞。他崇信佛教，性喜山水，晚年退居蓝田辋川，过着谈禅说佛、吟诗作画的隐逸生活。
王维是我国唐代著名的大诗人，同时又是著名的大画家，被称为"文人画宗师"。他在诗与画的成就上为历来的论者所称道，苏轼说："味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。"王维的画，在历史上所占的地位，也不在其诗之下。
王维向"国朝第一"的李思训学过画，他的画不但青绿着色匀衡有层次，且笔法精细，有"刻画"之痕。董其昌说："大青绿全法王维"。谢肇淛说："李思训、王维之笔皆细入毫芒。"陈继儒说："王维之画笔法精细。"米芾说："王维之迹，殆如刻画。"米友仁说他的画"皆如刻划不足学"。大青绿，笔法精细，刻划乃是"古代"山水画的特色。王维又学过吴道子，他曾把吴道子在大同殿上的壁画，在绢上画成一卷，称为"小簇"。《唐朝名画录》说："王维。。其画山水松石，踪似吴生，而风致标格特出。"
对于王维山水画的特色，张彦远在《历代名画记》中做了详细的论述。
第一，总结王维的山水画成就："工画山水，体涉古今。"认为王维是"水墨画"的代表人物。第二，"原野簇成，远树过于朴拙。"这说明了水墨法的艺术效果，并指出是创始于王维。第三，"复务细巧，翻更失真。"这说明了王维的用笔特色，而且王维不泥于古人。第四，"清源寺壁上画辋川，笔力雄壮。"这说明王维善于吸收前人之长，其画气势宏大。第五，"余曾见破墨山水。"说明王维善于用水墨，以新创不同于青绿颜色的画面效果。第六，"笔迹劲爽"。说明王维画法的总体风格。从这里也可以看出王维与吴道子、李思训的技法有很大的区别，自然他们的绘画题材也很不同。要探讨王维绘画的特色，我们不妨看他的作品。
关于王维的画迹，我们今天所能看到的而且比较可信的有《江山霁雪图》、《伏生授经图》、《雪溪图》。
《江山霁雪图》，绢本，设色。明以来诸家均曾著录，所谓"海内推为墨皇者也"，现藏于日本。这幅画，不仅构图自然，层次分明，且山水树石，人物屋宇都有明确的交待。已与后世的山水画没有什么两样。但这幅画技法还比较单纯，王世贞说："右丞始能发景外之趣，而犹未尽。"所谓"未尽"，即是指王维在技法上还未能达到十分完美的地步。
《伏生授经图》，纸本，设色。卷首有宋高宗题写"王维写济南伏生"
的字样，现藏于日本。这幅画，从《宣和画谱》起，许多史籍均曾著录，是流传有绪的王维传世作品中比较可靠的一件。画面上伏生为一老者，肌肉削瘦多皱，赤足盘腿坐在薄垫上，前面放着一张矮几，伏生以两肘倚几，而右手执经卷，左手食指微屈以指定行间，又与伏生正在授经的面部表情互相呼应，将伏生的情绪感情恰如其分地表现了出来。
《雪溪图》，绢本，设色。右上角有宋徽宗题签"王维雪溪图"的字样，原藏于清宫。这幅画画的是江边的雪中景色。用皴法表现山石的特征之处不多，但采用渲染的痕迹是可以看见的。全图笔墨浑厚，可以称得上"笔踪雅壮"。构图也有所变化，尽管画面繁复，但仍然条理清晰。
除了绘画实践之外，王维还有精辟的画论著作，可供后学者作参考。
王维的山水画，对后世的影响很大，被画家们奉为"南画之祖"，在我国美术史上占有相当重要的位置。
4。荆浩及其作品荆浩（公元901-960 年），字浩然，五代梁朝沁水（今山西沁水县）人。他是个读书人，因五代政治动乱，不愿做官，隐居于太行山的洪谷，自号洪谷子。他一面"耕而食之"，一面观察山中四时朝暮景色的变化，并不断写生。观察自然，从真山水中领悟造成万物生成变化的生命的本源，再发之于笔端，从而创造出巧夺造化的优秀画作。
荆浩山水画的技法沿续唐代的水墨山水而又有新的创造，他曾对人说："吴道子画山水有笔而无墨，项容有墨而无笔，吾当采二子之所长成一家之体。"可知荆浩的山水画是有笔又有墨的。他的笔墨不是吴道子、项容笔墨的组合，他的所谓笔乃是有勾有皴，他的所谓墨已具有阴阳向背的效果，是山水画技法完全成熟的标志。从他与大愚和尚互相唱和的诗中可想见荆浩山水之风貌；邺都青莲沙门大愚乞画诗说："六幅故牢建，知君恣笔纵。不求千涧水，止要两株松。树下留盘石，天边纵远峰。近岩幽湿处，惟籍墨烟浓。"荆浩答大愚诗说："恣意纵横扫，峰峦次第成。笔尖寒树瘦，墨淡野云轻。岩石喷泉窄，山根到水平。禅堂时一展，兼称苦空情。"从这两首诗里，我们可以知道荆浩所画的全是大山、大树，是全景式的水墨山水画。
中国山水画在六朝时已出现了"卧对其间可至数百里"的作品。到了荆浩，获得了更大发展，遂成为宋人所称的"全景山水"。荆浩善画北方地区的崇山峻岭、层峦叠嶂，米芾说它"云中山顶，四面峻厚"。这种大气磅礴的山水创作，正是通过"远取其势，近取其质"的表现方法得到的。今传荆浩所作的《匡庐图》，就体现了这种山水画的特点。
《匡庐图》现藏台湾中山博物院，此画绢本，水墨画。此图画危崖奇峰，高耸入云，峰巅树木丛生，岩崖间飞瀑如练，烟岚缥缈。山腰密林深处，露出了一处院落，或是文人隐士的幽居。从这里有路下山，沿着路旁，迭瀑溪流蜿转曲折地流下山坡，注入湖沼。山脚水畔，劲松欹斜参差，巨石耸立，村居屋舍掩映在错杂的群木之中，水上有人撑船，不远的坡旁路上一人赶着驴子缓缓而行。全图峰峦巍峨，林木瘦劲，溪流曲折，山居静谧，布景丰富，引人入胜。此图作全景式高远构图，画家仿佛居高临下，把从不同视点观察来的峰峦岗岭，林屋路径，飞瀑流泉，巧妙地组织在一个画幅内。结构森严，笔墨精润，功力深厚，代表了当时水墨山水画的最高水平。《匡庐图》从画题看彩画江西庐山，实际是以北方的深山大岭为依据而加以创作的。荆浩的这种"全景山水"影响很大，揭开了中国水墨山水画史上新的一页。
（四）花鸟画花鸟形象作为绘画形式出现，比人物、山水都早。在约七千年前的河姆渡遗址中，就发现了鸟纹、叶纹的骨雕品。但是，到魏晋南北朝时期，才出现了擅长花鸟的画家来，此时花鸟画还没有成为独立画科。至唐代，社会经济空前繁荣，统治者生活日益奢侈豪华，带来了社会习俗与审美趣味的变化，促进了花鸟画的发展，使它逐渐独立出来，并孕育了五代花鸟画的两大流派。"黄家富贵"与"徐熙野逸"两种不同的风格，代表着花鸟画的成熟。
1。边鸾及其作品边鸾（生卒年不详），长安（今陕西西安）人，唐德宗时曾任右卫长史。边鸾是中晚唐时期的花鸟画大家。
边鸾擅长画花鸟、草木、蜂蝶、雀蝉，以画"折枝花"最为著名。他的画法特点，唐代的画史《历代名画记》有记载："边鸾善画花鸟，精妙之极，至于山花圆熟，无不遍写。。花鸟冠于代，而有笔迹。""边鸾，京兆人也。少攻丹青，最长于花鸟折枝，草木三妙，未之有也。或观其下笔轻利，用色鲜明，穷弱毛之变态，夺花卉之芳妍。贞元中新罗国献孔雀解舞者，德宗诏于玄武殿写貌，一正一背，翠彩生动，金羽辉灼，若连清声，宛应繁节。。。写《玉兰图》连根苗之状精极，见传于世。近代折枝叶，居其第一。凡草木、蜂蝶、雀蝉，并居妙品。"宋代的画史《宣和画谱》也载他："精于设色，无斧凿痕。"可见他精于写生，妙于设色。他的用笔是"有笔迹"、"下笔轻利"，即是用轻利的墨线勾出物象的轮廓，再填以鲜艳的色彩，这种画法也就是现在我们所说的工笔花鸟画画法，故在他的笔下，花鸟草木的形象无不自然生动活泼明快。又如他所画的《玉兰图》，连根苗都画出来，而且画得非常精细，显示了他高超的写生能力，所以在当时他的"折枝花""居其第一"。根据宋人的记载，他所画的牡丹，花朵红淡、赋色润泽，有如真实的牡丹花形象。边鸾的花鸟画，多采用我国花鸟画特有的民族形式--"折枝花"式的构图形式进行创作。但他所应用的"折枝花"手法又别具一格，使画面充满了自然的天趣，令欣赏者回味无穷。
边鸾的一生创作甚丰，据《宣和画谱》记载，他有33 件作品，其内容多为孔雀、鹧鸪、鹡鸰、白鹇、牡丹、梨花、桃李、木瓜等名贵禽鸟花木。他还把题材扩展到"山花野蔬"，丰富了花鸟画的内容。他给长安等地的寺观绘制的花鸟画，颇受当时人们的喜爱。
边鸾采用独具一格的工笔重彩法去创造他的花鸟画艺术，成为一代大家，历来被美术史家们奉为花鸟画之祖，对后代花鸟画家的影响很大。如唐末五代的花鸟画名家刁光胤，以及五代宋初黄筌画派，都直接承袭他的画风。正如汤垕在《画鉴》中所言："唐人花鸟，边鸾最为驰誉。大抵精于设色，浓艳如生。。。要知花鸟一科，唐之边鸾，宋之徐、黄，为古今规式。所谓前无古人，后无来者是也。"
2。徐熙及其作品徐熙，钟陵（今江西南昌）人，生卒年不详，大约生活在（公元894-975 年）前后，他出身于"江南名族"，但他却没有做过官，郭若虚称他为"江南处士"，沈括称他为"江南布衣"。徐熙性情放达，志节清高。根据有关史料推测，保大五年（公元947 年）他的孙子徐崇嗣已参加了《赏雪图》的集体创作，徐熙当时约在60 岁左右。《梦溪笔谈》说，公元975 年南唐灭亡，他来到汴京，献画到画院品评受到排挤。当时已是宋太祖开宝八年，这样，他的享寿约有80 多岁了。
徐熙擅长写生，在当时以花鸟画为著名。花竹、林木、蔬果、禽鸟，无不成为他的绘画题材，他经常游览园圃，力求能更好地掌握它们的性格特征。甚至连一些不为人们所注意的小植物，在他的笔下也栩栩如生。他作画不依靠师承，而是注重自己的独创性，做到意出古人之外。
徐熙用质朴简练的手法，创立了清新洒脱的"水墨淡粉"风格。《图画见闻志》引徐铉的话说，徐熙的画"落墨为格，杂采副之，迹与色不相隐映也"。《宣和画谱》说："且今之画花者，往往以色晕淡而成，熙独落墨以写其枝、叶、蕊、萼，然后傅色，故骨气风神，为古今之绝笔。"《梦溪笔谈》说："徐熙以墨笔为之，殊草草，略施丹粉而已。神气迥出，殊有生动之意。"《德隅离画品》记载徐熙所作《鹤竹图》："丛生竹条，根、干、节、叶皆用浓墨，粗笔其间栉比，略以青绿点拂，而其稍萧然有拂云元气。"徐熙自撰的《翠微堂记》叙述他自己作画说："落笔之际，未尝以傅色晕染细碎为功。"从这一系列前人的记载中可以看出徐熙独创的"落墨"画法。他所作的花鸟画，是先用墨写出枝、叶、蕊、萼，然后在某些部分略加一些色彩，便神气突出，意趣生动。徐熙画派在唐末五代水墨画派确立之后，创造出前人所未曾有过的新形式，成为绘画史上传统花鸟画重点由工笔设色向水墨淡彩过渡的一个重大转折点。徐熙的画法注重表现对象的精神内质，以线条墨色为主，以设色技法为辅，并且讲究线与色的互相结合，不使色彩淹没线条，这就充分发挥了传统技法的特长。梅圣俞咏徐熙《夹竹桃花》诗："年久粉剥见墨踪，描写工夫始惊俗。"苏东坡题徐熙的《杏花图》诗："却因梅雨丹青暗，洗出徐熙落墨花。"这两首诗中的"粉剥见墨踪"、"落墨花"就是指"水墨淡粉"这一独创的风格，也即是被后世所盛称的"徐体"。"徐体"与其同时代的画家黄筌的画风迥然不同，而黄筌画风在当时的宫廷画院又占上风，故"徐体"不受宫廷贵族的欢迎。故徐、黄二体形成了花鸟画的两大体系。然而徐、黄二人风格不同的原因，主要是由于他们所处环境地位以及性格不同而造成的。宋郭若虚《图画见闻志》论"徐黄异体"指出："谚云，黄家富贵，徐熙野逸，不惟各言其志，盖尔耳目所习，得之于手而应之于心也。何以明其然：黄筌与其子居宷始并事蜀为待诏，筌后累迁如京副使；即归朝，筌领真命为宫赞，居宷复以待诏录之，皆给事禁中，多写禁苑所有珍禽瑞鸟，奇花怪石。。。又翎毛骨气尚丰满而天水分色。徐熙江南处士，志节高迈，放达不羁，多状江湖所有汀花野竹水鸟渊鱼。。。又翎毛形骨贵轻秀，而天水通色。"徐、黄二体画风特点的不同，也标志着花鸟画的进步。
尽管徐熙的画受到官廷画院的排斥，但他那高度的艺术修养和独创的艺术天才，还是受到后代许多鉴赏家和评论家的肯定。如郭若虚认为在徐熙这一时代中，花鸟画"古不及近"。刘道醇在《圣朝名画评》里所列花竹翎毛门的"神品"四人，徐熙被放在第一位。并认为黄筌的作品"神而不妙"，赵昌"妙而不神"，只有徐熙才能真正达到"神妙俱完"的境界。李荐也曾就宋代的写生名手赵昌的花鸟画与徐熙做过一番比较，他说："徐熙画花传花神，赵昌画花写花形；然比之徐熙则差劣。"故米芾说："黄筌画易摹，徐熙画不可摹。"沈括的《图画歌》也说："花竹翎毛不同等，独出徐熙入神境。"所谓"不可摹"、"入神境"，正说明徐熙的表现手法有独到之处。清代花鸟画大家恽南田也极力推崇徐熙的花鸟画，说他"灵气在笔墨之外"。一千多年来，徐熙的风格，在中国画坛上起着重要的影响。如明代的沈周、陈道复、文徵明、徐渭等人无不受益于他。
徐熙是一位高产的画家，单就《宣和画谱》所记录下来的画迹，已有259件之多。徐熙又是一位高质的画家，《圣朝名画评》上载他有一幅《石榴图》，在一株树上画着一百多个果实，石榴栩栩如生，笔力豪放。宋太宗一看即拍案叫绝："花果之妙，吾独知有熙矣！"米芾的《画史》载他的一幅桃子，"绿叶虫透背，二叶着桃上。二桃突兀，高出纸素。"又"徐熙在澄心纸上，画一飞鹑如生"，米芾称它为"奇物"。还有"徐熙画牡丹图，叶几千余片，花只三朵：一在正面，一在右，一在众枝乱叶之背。石窍圆润，上有一猫儿"。从上面这四幅作品可见徐画别出心裁，神妙无比。可惜的是，徐熙竟连一幅可靠的作品也没有留下来，所传的《雪竹图》、《玉堂富贵图》、《雏鸽药苗图》是不是徐熙的真迹还无法确定，许多鉴赏专家认为可能是后人的摹本或摸拟其风格的作品，我们只能从中大致领略其风格和揣摩其画法了。
3。黄筌及其作品黄筌（公元903-968 年），字要叔，四川成都人。他从13 岁起就拜刁光胤为师学画，17 岁时就在前蜀后主王衍的画院里当待诏，从此一帆风顺，23 岁时后蜀孟知祥称帝后，即授予他翰林待诏，命他主管画院事务，并赐给他紫金鱼袋。到了后蜀孟昶掌握政权后，对黄筌又加授"内供奉朝议大夫"、"检校少府少监"等官衔，仍主持画院事务，累升至"如京副使"等职。他的儿子居宷、居宝，兄弟黄惟亮，那时也都同在画院里任"翰林待诏"。因而黄家的画派，左右了当时画院的画风。宋德宗三年（公元964 年）黄筌与他的弟弟及两个儿子都入宋翰林院，宋太祖授予他为"太子左赞善大夫"的官职。乾德六年（公元967 年）黄筌因病去世，享年65 岁。他的一生在皇家画院近50 年。
黄筌"幼有画性，长负奇才"。他13 岁跟随刁光胤学画，刁授其鸟雀，又博采孙位的人物、龙水，李璟的山水竹树，薛稷的云鹤，滕昌祐的花卉蝉蝶，融为一体，自成一家。《益州名画录》说："筌早与孔嵩同师，嵩但守师法，别无新意。签既兼宗孙李，学习因是博瞻，损益刁格，遂超师艺。"夏文彦在《图绘宝鉴》中称他："资诸家之善兼而有之，无不臻妙。"郭若虚称他："全该六法，远过三师。"可见黄筌已具有很高深的造诣，其六法俱备，而且远远超过他的老师的艺术水平。
关于黄筌的创作，有不少生动的传说。例如，后蜀主孟昶广政七年（公元944 年），淮南和蜀通聘，礼物中有活鹤数只，孟昶命黄筌画于偏殿的壁上。黄筌充分发挥了写生的才能，描绘"唳天"、"惊露"、"啄苔"、"舞风"、"梳翎"、"顾步"鹤的六种不同姿态，生动无比，致使活鹤飞过去和它们站在一起。孟昶大为惊奇，非常佩服黄筌的高超技术，于是把这座偏殿改名为"六鹤殿"。还有一次，就是在广政十六年（公元953 年），孟昶大兴土木，建造"八封殿"，竣工后，命黄筌在四壁上画四时花竹、兔雉。黄筌又大显身手，从七月份起一直画到深冬才画完。这年冬天有人在殿前向孟昶进白鹰。不料该鹰见了壁上画的野鸡，误以为是活的，连连飞扑。黄筌所画的野鸡竟能让这只猎鹰误以为真，孟昶嗟叹不已，称他为"当代奇笔"，并且命翰林学士欧阳炯撰《奇异记》一篇，把这一奇事记下来。
黄筌不仅擅长花鸟画，对人物画、山水画他也具有独到的表现力。传说前蜀后主王衍有一天召黄筌于殿内一起观赏吴道子的画作《钟馗图》，画里的钟馗神气活现，捉住一个小神，用右手食指挖鬼眼，笔力劲健挺拔，可称得上绝妙之作。但王衍却命他将画中钟馗以食指挖鬼眼改为拇指。黄筌经过考虑之后，便决定重画一幅，再连同吴本献呈。后主怪他为什么另画？他回答说，吴道子所画的钟馗，全身力量和眼神全集于食指上，故不能作局部变更。而他所画的钟馗，力气及眼神俱在拇指，有明显的区别。王衍听完后恍然大悟。可见，黄筌对人物画的理解之深刻。《宣和画谱》说他："作人物，不妄下笔。"
黄筌与南唐的花鸟画大家徐熙并称"徐黄"，并形成五代、两宋花鸟画的两大流派，徐黄俱是五代花鸟画的宗师，在北宋初年有"黄家富贵，徐熙野逸"之说。所谓"徐黄异体"，这是和他们的生活环境、客观条件的影响分不开的。黄筌的花鸟画，多用淡墨细勾，然后用重彩渲染，敌人称它为双勾填彩画法。《梦溪笔谈》载他的画法说："妙在傅色，用笔极精细，几不见墨迹，但以五彩布成，谓之写生。"黄筌的绘画不仅色彩秾丽丰富，用笔工整细腻，而且高度把握物象的真实形态，赋予绘画作品以新的生命力。"黄家富贵"正是适应宫廷和大官僚的意识和艺术爱好，所以黄家画格成为北宋画院一时品评花鸟画的标准，并且这种画风整整统治了北宋画坛一百年，直到北宋中期以后，才有了新的变化。
黄筌的画迹，流传很广，数量也特别多，仅《宣和画谱》所录就有349件。但可惜的是流传至今的作品已很少见了。故宫博物院所藏一幅《珍禽图》是现存国内有名的黄筌真迹。《珍禽图》，绢本，设色，是一幅近于"粉末"的画稿。里面画着鹡鸰、麻雀、鸠、腊嘴等十只鸟和一大一小两只龟，还有蚱蜢、蝉、蜜蜂、牵牛等若干昆虫。大小间杂，信手拈来，不求章法，故当是作为素材用的画稿。画的左下角题有"付子居宝"字样，大约是黄筌给他次子黄居宝画的一幅临摹范本。此画的特点是观察细致，形态生动，技巧纯熟，风格严谨，一丝不苟。画面全部用墨线细勾轮廓，然后再略施淡彩，层次丰富，充分显示出他深厚的写实功底。虽是一幅画稿，但其用笔工致挺秀，是标准的"双勾"工笔的画法，具有高度的艺术价值。
黄筌在花鸟画上取得的成就，正是他善于继承优良的传统，善于融汇吸收各家之长的结果。黄筌的画不仅在当时的画院里备受推崇，就是在绘画史上也是被公认为与徐熙画派执一牛耳的黄家体制。徐黄两派各垂千秋，互相辉映。
（五）画论中国画在长期的实践中，积累了非常丰富的经验，包括画史、画理、画法以及审美观念、画家修养等内容，形成一个独特的、完整的理论体系。中国画论是伴随着中国绘画的发展而逐渐形成的。唐代是中国绘画繁荣兴盛时期，代表线条美的人物画在此时达到顶峰，代表水墨美的山水画在此时也完全成熟，代表色彩美的花鸟画在也逐渐形成。唐代在绘画上所取得的成就是空前的。与之相应，唐代的画论也获得了重大的发展。出现了我国第一部传记体的中国绘画史--张彦远的《历代名画记》，这是一部有如巨史中《史记》一样的绘画史书。而五代是山水画、花鸟画的鼎盛期，反映在画论上，则出现了有关山水画、花鸟画的重要论作。如荆浩的《笔法记》就是一篇有关山水画理论、技法的总结性论文。
1。《历代名画记》《历代名画记》是世界上第一部绘画通史。唐代张彦远著。
张彦远（公元约815-约875 年），字爱宾，河东（今山西永济）人。
他出身于宰相世家。学问渊博，擅长书画。曾任舒州刺史，官至大理寺卿。他的家收藏六朝隋唐时期名画甚多，遂于大中元年（公元847 年）著成了这部被称为"画史之祖"的《历代名画记》。
《历代名画记》十卷，分三部分：一是对绘画历史发展的评述与绘画理论的阐述，即原书卷一全部与卷二前两节。二是有关鉴识收藏方面的叙述，即原书卷二后三节与卷三。三是原书卷四至卷十，系370 余名画家传记，始自传说时代，终于唐代会昌元年（公元841 年），大体按时代先后排列。该书总结了前人有关画史和画论的研究成果，继承了史与论相结合的传统，开创了编写绘画通史的完备体例。作者尽可能地占有丰富的资料，力求从理论上探讨绘画史的发展过程及其内在联系，并以系统的绘画史实来支持其理论认识。该书还编入了极为丰富的绘画史料，其资料来源除前代绘画史籍外，还包括大量的史书、小说杂著、文集。该书最重要的也是最精彩的部分是对绘画理论的总结和探讨。作者提出很多精辟的命题。
第一，在绘画理论上，进一步完善了谢赫的"六法"。张彦远针对"六法"的难点，提出"以气韵求其画，则形似在其间矣"。这就是说画家表现对象时，着眼点首先应该是气韵、是神，抓住气韵，造形就既有神，又有形了。这说明了绘画中"形似"与"神似"的辩证关系。张彦远进一步论述了形似和用笔的关系。他说："夫象物必在于形似，形似须全其骨气；骨气形似，皆本于立意而归乎用笔，故二画者多善书。"意思是，给画造形的根据是画家反映对象的立意，表现的手段是用笔，所以善长绘画的人多半善长书法。张彦远在谈论形似与骨气时，补充了谢赫没有涉及的立意问题，立意即构思，是创作的重要一环，是迁想妙得的结果。经营位置即章法，就是依据于立意，立意存在于书画家的头脑中，是"腹稿"，而经营位置的章法则已经体现于视的形象了，是立意的化物，一个无形，一个有形。立意是画的基础，"经营位置，则画之总要"。张彦远又用气韵和用笔的关系来说明艺术美的表现。他说："若气韵不周，空陈形似，笔力未遒，空善赋彩，谓非妙也。"他特别推崇吴道子的画，主要着眼点就在于气韵和用笔。他说："唯观吴道玄之迹，可谓六法俱全，万象必尽，神人假手，穷极造化也。所以气韵雄壮，几不容于缣素，笔迹磊落，遂恣意于壁墙。"显然，张彦远对"六法"重新作了阐述与补充。
