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虽然长时间以来这些音乐一直被称作“摇滚歌剧”，但直到1975年一首与真正歌剧复杂性相媲美的歌剧才真正问世，Queen乐队9周的排行榜冠军歌曲“波希米亚狂想曲”(Bohemian Rhapsody)洋溢着普契尼、罗西尼以及其他一些一生主要在意大利餐馆中度过的音乐家的音乐气息。Freddie Mercury对歌剧的兴趣不是一时的怪念头，他经常作为一名听众去考文特公园听歌剧，并且在1987年与西班牙女高音歌唱家卡巴利合作录制了一张伪歌剧专辑《巴塞罗那》，显然他的声音没有达到歌唱家的高度。

80年代，事实上是融合音乐的爆发。古典音乐与各种音乐(甚至说唱乐)联姻，帕瓦罗蒂、尼格尔.肯尼迪(Nigel Kennedy)已使公众承认的数字在不断地增加，占市场很大的摇滚/古典融合风格的音乐唱片曾一度很有吸引力。1989年，Eric Clapton像当年“深紫”乐队一样，在皇家艾伯特大厅揭开了“吉他协奏曲”的序幕，但他否认这是古典音乐，“这是新事物”，Clapton说，并补充了一句令人费解的话：“这虽不是电影，但你就像看一场精彩的电影一样。”

Paul McCartney也制造着他的1991年的《Liverpool Dratorio》系列音乐，这部合唱形式的管弦乐作品是为庆祝利物浦皇家交响乐团成立150周年而创作的。“作曲家正被理论所限制”，这个现在仍写不出音乐符号的前the Beatles乐队的成员如是说，“我没那么些顾虑，因为我一点理论也不懂。”

不排除他音乐技巧上的障碍，McCartney与作曲家Carl Davis共同合作这部管弦乐作品，不过不少评论家认为这部作品最终还是由Davis完成的。同样，当David Byrne创作他的管弦乐作品《森林》(The Forest)时，也一样借助弦乐作曲老手Jimmie Haskell。“我用合成器去写它，用电脑代替原声音响，Jimmie听后便知道是什么，他说，一支单簧管便可解决一切我需要的东西。”Byrne说。

最近一段时间来，对摇滚和古典音乐的杂交在一些好事者的鼓噪下有增无减。尼格尔.肯尼迪正计划着出一张用小提琴演奏Jimi Hendrix作品的专辑；“新型军队”(New Model Army)乐队的Ed Alleyne-Johnson已用他那把紫色的小提琴录制了一张名为《紫色电子小提琴协奏曲》(Purple Electric Violin Concerto)，实在让人吃惊；实验摇滚吉他手G.P.Hall的《想像的季节》(Imaginary Seasons)已经发行，这只不过是将维瓦尔第的《四季》用工业化的声音重新雕刻了一番……

是摇滚乐最后终于长大还是古典音乐的融合标志着人们已耗尽了最初的想像？可能都不是。前“马哈维什努管弦乐团”的John McLaughlin早在1973年便对这种混乱的状态提出了自己的看法：“真正的音乐已不再是什么特别的音乐风格了，只有好与坏两种。”

让我们再回顾一下Chuck Berry在1956年说的那句信誓旦旦的话吧，这句话今天是否该改成：“超越Chuck Berry，把这个消息告诉Gloria Estefan，摇滚乐与古典音乐的杂交已变成近亲繁殖！”

摇滚末路

摇滚乐，就总的来说，无论是内在情感、表现手法，还是创作难度，都难于同古典音乐相比，它们根本不是同一个层次的艺术，但它可以说是另一种类型的民谣，同时也是一种大众文化。摇滚乐运动的兴起，是把以往少数人所拥有的音乐奢侈品推向广大民众的一次革命，它以简单真挚的情感演绎撕破了古典音乐虚伪矫饰的一面。一些优秀的摇滚乐作品，与古典音乐经典一样，将永远受到广大人民的喜爱。就我个人而言我喜欢Pink Floyid，U2，Dire Straits。 　　　

在1951年，美国克里夫兰电台节目主持人Alan Freed从一首布鲁斯乐曲《We are gonna rock，we are gonna roll》中创造了“摇滚乐”（rock’n’roll）这个词，而Bill Haley的《昼夜摇滚》则宣布了摇滚乐的正式诞生，早期的摇滚乐带有浓厚的布鲁斯风格，尚难于严格区分。“猫王”的出现把摇滚乐逐步推向成熟，而使摇滚乐成为风靡世界的浪潮则应归功于甲壳虫乐队，四个来自利物浦青春活力的形象、优美动听的摇滚音乐征服了世界，使摇滚乐成为西方流行音乐的主流。本世纪六、七十年代是摇滚乐的黄金时间，出现了民谣摇滚、艺术摇滚、迷幻摇滚、重金属等各类不同的风格，达到了摇滚音乐的顶峰。我们回头来看这段历史，摇滚乐的诞生和发展有其广阔的文化和社会背景，社会生产力的发展，彻底解放了广大民众，为大众文化的兴起奠定了基础，艺术已不是少数人的专利；唱片、电台和电视的发展为摇滚乐提供了传播的媒介；人文精神的广阔传播则是摇滚乐发展的思想根源，人民崇尚自由，需要表达自我，寻找精神寄托，摇滚乐就提供了一种宣泄情浮的氛围，同时社会思潮也深深影响了摇滚乐，60年代末期美国的民权运动和反越战直接导致了民谣摇滚的诞生，而性解放和吸毒又是迷幻摇滚的催化剂。进入80年代则是偶像巨星的时代，流行音乐已经发展成为一种媒体工业，杰克逊和麦当娜就是这种音乐工业的产物，他们的音乐和表演带有浓厚的市场运作和商业气息，同时也获得巨大利润回报，杰克逊的专辑销量达到了前所未有的高度，在音乐精致而绚丽的包装下实则空无一物。90年代西方世界相对宽松平和的社会环境的产物就是平庸，我们再也无法听到Bob Dylan用沙哑的声音批判社会和探讨人生，再也无法听到John Lennon用歌声演绎爱与和平。可以说从80年代开始，流行音乐就可以被称为市场音乐或是商业音乐，因为音乐发展的走向和人们审美的取向已经不取决于音乐，大家在跟时代赛跑，摇滚音乐人也成了一个综合体，外表、装扮和一些标新立异甚至变的比音乐更重要，象David Bowie，以及Kiss之类的重金属乐队，乐迷喜欢他们肯定不只是为了音乐本身。Nirvana的主唱Kurt Cobain的自杀则显示了当前摇滚乐音乐界严重的思想危机，一夜成名的压力和对商业运作的极端厌恶导致了他的心理崩溃；而最后的王牌乐队U2的《zooropa》之类的专辑是否预示摇滚乐已经写完了呢？各类摇滚的标新立异已经几乎穷尽了人们的想象，乐迷们对一些花样翻新也已不再感兴趣，在歌舞升平的商业社会里，人们更愿意看到的是“辣妹”式的美媚歌手；Secret Garden式的恬静优美，具有冲撞力的摇滚乐失去了它赖以生存的土壤,摇滚乐走向了辨证法所预示的从高潮到衰落的必然之路。

当我们怀着崇敬的心情看到Bob Dylan、David Gilmour这些年近五旬的老人们仍然在舞台上孜孜不倦的弹着吉他时，一种宿命感涌上心头，回首摇滚乐走过的五十年，不禁感慨万千，用Bob Dylan的一首歌来做注解，真是“时代在变”啊！

向大师致敬

- -晓 峰

唱片业赖以正常运转的基础是它作为一种工业能更大程度地给本身带来更多的利润，而这利润的获得是它能制造出更多的在市场上换来金钱的唱片。如何让唱片在市场上更快地换回金钱，这是商人们每时每刻思考的问题。作为主要面对青少年市场的唱片业，它能坚持的原则就是这些唱片必须符合他们的口味、心态，而且还要不停地为换花样地坚持这一原则。

这是一个相当艰难的课题，它必须是具有目的而不是想当然地炮制，它必须经过严格地预测和科学的可行性研究，分析一种计划在市场上的可行性，在万无一失的情况下如法炮制，稍有一念之差，就可能前功尽弃。

但人的能力毕竟有限，即使是科学的预见和分析也达不到绝对的程度。因此在唱片界经常出现这么一种情况：有些为市场抛售的唱片往往没有市场，而某一种风格的歌曲莫名其妙地流行起来，某一种形象的歌手突然受欢迎起来，某一种形象的歌手及其一种风格的歌曲成了热门，进而成了一种时尚、潮流。

分析家、评论家来说，他们完全可以凭借自己的判断、分析力去解释，总结出一种现象出现的背景(社会的、经济的、人文和乃至人为的)及前因后果，他们会讲出许多各执己见的道理，他们很容易解释、分析“英国入侵现象”、“朋克运动”、“非主流现象”、“不插电风格”……等等。而对于另一方面——在不知不觉中制造出这种现象那种运动的唱片业来说，尽管他们在事先分析、预见工作是很完善的，但结果总要超出他们的想像。在科学的预测之后总是没有把握地冒险行动。实际上唱片界从未有过在这一种潮流出现之前预示到它要发生。他们总是在围绕着“利润”的前提去制定自己的计划，在某一种现象由于唱片界与社会发生的多种行为造成之后而利用这种现象大捞一笔而已。

当唱片商发现某一种唱片在市场上非常走俏时，出于利润指标的压力，他们首先考虑研究的不是为什么它会走俏，而是如何炮制出第二张类似这样但又不完全是这样的唱片。如果他们做了，并确实达到了预想的经济效果，那么肯定就会有第二家、第三家……步其后尘。这样，一种所谓的风格、现象、潮流或是运动就出现了，而这时传媒肯定会加入进来推波助澜。当这种风格、现象被炮制得市场趋于饱和状态时，它不再成为流行音乐所特有的时尚、潮流、新奇或时髦的标志时，那么它就会被另一种现象所替代。于是一种有规律性的商业行为在循环往复。聪明的唱片商十分清楚为某一种风格、现象炮制出的唱片会在何时达到最受欢迎的程度，何时受到冷落，并把一张张如法炮制的唱片向股票一样不失时机地抛售出去，从中渔利。

唱片工业的这种做法，最终给我们带来了应接不暇的潮流，给我们带来丰富多彩或是千篇一律的流行音乐，这也是唱片维系自我生存的一个很重要的一个手段。

但本文所要谈的并不是前面的这个话题，之所以费了这么多笔墨，只是借此想说明下面的这一个话题：在过去的一段时间欧美乐坛出现的一种向大师致敬的现象。

向某一人物致敬，这个人必须是在某一领域有着特殊的成就和贡献并有着重要的影响和地位，这些人往往是大师级人物，值得人们去致敬。

唱片界在90年代曾出现过翻唱之风，随后又出现“Unplugged”(不插电)之风，这两年最热闹的除了另类音乐胡作非为外，比较引人注目的就是向大师致敬了。唱片界向大师致敬，就是开一场音乐会或出一张唱片向前辈人物表示怀念和敬仰，而最终总是要通过演唱一些被致敬了前辈的歌曲，制成唱片。

从表面上看，这是一种极简单的纪念行动，并带有很浓重的人情味，或表现出一种人性的美德。但这美德的背后，却是极直截了当的商业行为。

我们分析一下这两年出现的“向大师致敬现象”。

首先，今天确实该向大师致敬了。流行音乐发展了四五十年，有多少歌星沉浮起落，但总有些让人难以忘怀的人物。特别是那些几十年前的音乐，即使用最先时的录音技术和技巧也无法再现它最初的神韵了，这使人们难免不对那些过去的音乐，过去的时代，过去曾独领风骚的人物产生怀念之情，向大师、向前辈致敬很符合人们的怀旧心理。

其次，向大师致敬是90年代初翻唱之风的另一种翻版。在唱片业进入90年代后，翻唱之风日盛。其实翻唱一直是欧美唱片界商业行为中很重要的一项举措，欧美唱片公司有一个A&R部门(一个负责艺人和曲目的部门)是专门负责让歌手翻唱再版唱片的机构。但进入90年代，翻唱比以往任何时期都密集，导致这一现象的主要原因是创作上的匮乏，唱片公司在市场上找不到方向的结果。因此，更多的时候，用翻唱来搪塞消费者。但这种现象不能永无休止地下去，时间一长人们就会生厌，因此，要变着花样地翻唱。无疑，向大师致敬成了一种很符合潮流又能掩饰创作匮乏的商业手段。

再次，向大师致敬在市场上的可行性。老歌新唱，总会搞出点新意思来，更何况还打着致敬的招牌。往往向大师致敬的唱片都云集各路精英，各显其能，这本身就很有纪念意义和收藏价值，在市场上也必是能刺激消费者，虽然它不像一张热门唱片那样走俏，但也绝对能保证其赚到足够的利润。

向大师致敬是从哪一年开始的，第一个推出来被致敬了大师是何许人，由于资料所限，笔者无从查考，但根据笔者所掌握的资料，倒可介绍一些有特色的向大师致敬的唱片。

“A Tribute to Woody Guthrie”。这是笔者听到的最早的一张向大师致敬的唱片。Woody Guthrie，美国民歌运动之父，他出生于1912年，他是一位诗人，歌手，一生中给人留下了上千首诗，上百篇文章以及一种生活方式。他被称为“美国杰出的民谣作曲家”、“一位不出声的荷马”、“和沃尔特.惠特曼一样伟大的人物”。在他的影响之下，才出现了Pete Seeger、Bob Dylan这样伟大的民歌手。1967年10月，这位伟大的人物与世长辞，1968年1月2日，为纪念这位“民歌之父”，当时最著名的民歌手走到一起，在纽约的卡内基演出大厅，举行了一场音乐会，当时参加演出的有：Judy Collins、Bob Dylan、Jack Elliott、Arlo Guthrie、Tom Paxton、Pete Seeger等。在两年后，1970年9月，包括第一次纪念Woody中的Jack Elliott、Arlo Guthrie、Pete Seeger以及Joan Baez、Country Joe McDonald、Earl Robinson等民歌手在好莱坞又举行了一场纪念Woody的音乐会。两次音乐会都以演唱Woody的名曲为主，最后，这两次录音合并列一起，制成唱片，于1972年出版发行。这是一张名副其实向大师致敬的唱片，那些受过Woody熏染的新一代民歌手，带着崇敬之情参与了这两次活动，这张唱片十分值得收藏，一方面它汇集了当时最著名的民歌手，另一方面，他们唱的都是Woody的名作，如“Hobo's Lullaby”、“Jesus Christ”、“1913 Massacre”、“This Land Is Your Land”等。

“Roots of Rhythm and Blues：A Tribute to the Robert Johnson”。这又是一张值得收藏的Tribute唱片。这张唱片之所以值得收藏，一方面它是向20、30年代布鲁斯大师R.Johnson致敬，另一方面它汇集了各路布鲁斯高手。最值得一提的是，尽管这张唱片录制于1991年美国Smithsonian民歌音乐节的现场录音，但它完全再现了20、30年代布鲁斯音乐的效果和氛，没有什么电声乐器，代之是简朴的口琴、吉他、钢琴伴奏，用吟唱的方式原汁原味把演绎了25首布鲁斯、民歌名曲。同时，这张唱片也献给当时77岁高龄的布鲁斯歌手Johnny Shines，他在这张唱片中演唱了8首歌。

“If I Were Carpenters”。这是一张饶有趣味的致敬唱片，是为纪念Carpenters兄妹出道25周年而录制的一张唱片。以往，向大师致敬总是要毕恭毕敬、严肃认真，而这张唱片却反其道行之。Carpenters的悦耳、轻松、优美的歌声被一帮另类们“遭塌”得面目全非。像Sonic Youth、Redd Cross、4 Non Blondes这样无法让Carpenters歌迷无法接受的乐队，用他们的风格能致敬出什么效果呢？这种强烈的对比自然提起了人们的兴趣来。这张唱片值得收藏的一个重要原因是在90年代，另类音乐的崛起标志着过去的主流音乐时代的结束，而在这个新旧交替的过程中，另类向主流大师致敬，不单是一种尊敬，更重要的是一种Farewell。

“Ruby Trax”。这是一张更有趣的致敬唱片，致敬的动机是为了纪念英国著名流行音乐刊物NME(新音乐快讯)杂志创刊40周年，出版了三张一套的唱片。其中由40个英国朋克非主流乐手翻唱了40首英国BBC排行榜冠军歌曲 。一群另类玩一堆流行金曲，效果可想而知，绝不次于向Carpenters致敬。

关于向大师致敬的唱片近来出版了不少，比如向80岁高龄的口琴大师Larry Adler致敬的“The Story of Gershwin”；向Elton John和Bernie Taupin这对黄金搭挡合作20周年致敬的“Two Rooms”；向Elvis Presley致敬的“It's Now or Never”；向Van Morrison致敬的“No Prima Donna”；向Kiss乐队致敬的“Kiss My Ass”；向Jimi Hendrix致敬的“Stone Free”；向Led Zeppelin致敬的“Tribute”。此外，Leonard Cohen、Eagles、The Byrds、Curtis Mayfields、Black Sabbath、Marvin Gaye、Pink Floyd等一些大师们不同程度地遭到致敬。这里，这些唱片就不一一介绍了，有兴趣的朋友不妨找来听听。

回到本文的开头，“向大师致敬”是唱片业煽动起的一股潮流，而且，唱片界在致敬的过程中，不断完善致敬的手段，使其趋于商业化、娱乐化，而这正是唱片业宗旨所在。我们看到，由充满敬意严肃认真地向大师致敬到后来随随便便并充满商业气息地向大师致敬，这其中的变化就是商业的游戏规则，一旦这种游戏规则达到尽善尽美的程度，它最初的意义也便不复存在了。

这种致敬的方式说到底还是唱片公司为寻求商业市场所做出的举措，致于被致敬的人应如何被致敬，应致敬到什么程度，这都是次要的。

好啦，摇滚歌星向大师致敬，唱片商向金钱致敬，两全其美，玩吧！

洛杉矶金属重镇Metal Blade

一个名叫Brian Slagel的音乐狂热分子整日游弋于洛杉矶的郊区，并几乎以病态的方式完全沉 溺于观看当地的一些被主流音乐厂牌所不屑的金属乐队的演出。Slagel白天在传奇性的金属商业中心Oz Records工作，夜里则在第一家美国金属乐迷杂志《The New Heavy Metal Revue》中供职。Slagel询问一些出版商朋友，自己打算出一张地下金属乐队的作品合辑，并将其予以广泛的传播，他们说，这没问题。于是，Metal Blade唱片公司就诞生了。

当然，事情并非是如此简单。Slagel每天要在Oz Records和Metal Blade唱片公司中呆上17个小时，他将已物色好的地下金属乐队的作品收集起来，这些乐队包括Metallica、Ratt和Black 'N Blue等，当然这只是这一批乐队中的一小部分，最后作品被辑录于一张合辑之中，以《The New Heavy Metal Revue》的名义予以出版发行，合辑就是日后成为经典性作品的《Metal Massacre》。

其实在《Metal Massacre》发行之前，Metallica乐队是不存在的。据Slagel回忆说，在1981 年初的时候，当时已日益繁盛的New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM)运动在洛杉矶地区 却只有三个这样的狂热分子：Slagel、一个丹麦小子Lars Ulrich和另一个朋友。他们三个常常聚 在一起，跑遍了整个洛杉矶地区的每一家唱片店去搜寻NWOBHM浪潮中不断涌现出的最新的唱片。

一年之后，Slagel向Lars提起打算要做一张金属合辑，不久Lars就给Slagel打电话说，他已经和James Hetfield一起演奏了一些翻唱歌曲，如果现在自己创作一首曲子，是否能收录于这张合辑中。Slagel当时就许诺说，当然可以。于是Lars就创作并录制了一首“Hit The Lights”交给Slagel， 这时Lars给自己的乐队命名为Metallica。

“倒退到当时，要集结那样一些乐队并录制一张金属合辑是一件比较容易的事情，”Slagel说，“当时没有其它音乐厂牌愿意经营金属乐。我问一些乐队能否给我提供一首自己创作的曲子，他们很痛快地就答应了。事情就是如此。”但是，至少在最初，Slagel并不打算要把在Metal Blade唱片公司的工作变为一个专职性的工作，之所以这样是因为这并不是一种很好的赚钱方法，的确不是。但事 实上，Slagel是如此地喜爱这种音乐，以至于割舍不下。“Metal Blade最开始是作为对那份金属杂 志的促进和推动而存在的，”Slagel解释道，“但是其反响却异常热烈，所以我决定放弃一学期的学业来看看事态究竟会怎样发展下去。”

事实上，Slagel就再也没有回到学校去。在Metal Blade旗下的第一张作品《Metal Massacre》获 得了超乎想象的巨大成功后，Slagel又在1982年底相继发行了Bitch和Demon Flight乐队的专辑。紧接 着，带着怒吼和咆哮之声的《Metal Massacre 2》合辑呼啸而出，其中的新增乐队包括Armored Saint 和Warlord，这张合辑的诞生则继续巩固了本套系列合辑的巨大威名和声望，这里也是这批金属乐队展 示他们才智的地方。诸如Slayer、Metallica、Voivod、Fates Warning、Metal Church、Flotsam And Jetsam、The Obsessed、Dark Angel和Sacred Reich等乐队都是借助于《Metal Massacre》这一系列 的金属合辑而开始发迹的，象这样的乐队还不计其数。

Slagel曾极为成功地从地下发掘出了Metallica乐队，而在1983年偶然碰到了Slayer乐队之后， Slagel又再次创造了一个史诗般的神话。Slayer的音乐生涯开始于《Metal Massacre 3》合辑，并在 日后相继发行了四张经典唱片：《Show No Mercy》、《Haunting The Chapel》、《Live Undead》和 《Hell Awaits》。“我第一次看见Slayer乐队是在Anaheim的一个叫Woodstock的俱乐部里，他们正为 Bitch乐队作开场演出，”Slagel回忆说，“他们演唱的曲目中有一半是Judas Priest和Iron Maiden 的曲子。但当我走到后台去问他们是否愿意在《Metal Massacre》系列合辑中录上一首歌时，他们立 即就答应了。他们还问我是否能给乐队出一张专辑唱片，我说当然了。”

然而，在这个处于半开化状态的“文明”社会中，人们认为Slagel要签下这样一支非常极端的乐队一定是疯了，不过这并未使Slagel感到困惑。他说：“很多金属乐杂志都讨厌这支乐队，他们认为 这简直就是一个笑话。但是小子们却非常喜欢Slayer，乐队是如此的令人惊异和赞叹。我想我并不关心人们是怎样考虑的，但如果我喜欢这样的音乐，我就会将它挖掘和曝露出来。我的意思是，没有其他人会这样做的。我感到这是我的责任和职责所在。”

Metal Blade终于在1984年发生了一次大的激增和爆炸，这不仅仅是指Slayer乐队，还包括以下一系列值得夸耀的名字：Fates Warning、Lizzy Borden、Voivod、Trouble、Omen和Hellhammer(后来演 变为Celtic Frost)。在当时，美国金属音乐的面貌似乎是Def Leppard、Quiet Riot和Ratt的天下，但实质上金属乐的核心与心脏地带却是强烈跳动着的Metal Blade。

在拥有了这样一批令人胆战心惊的金属乐队之后，Slagel是否意识到自己正领导并发起了一次猛烈的金属乐冲锋？“在一定程度上，”Slagel宣称道，“我这样做只是缘于自己喜欢这类音乐。我从来没有设想过金属乐会达到今天这样的高度，这其中包含着太多的天才与智慧。乐队创作出这类音乐只是因为他们愿意这样做。没有人打算从中牟利，也没有人打算要成为摇滚明星。”

正是由于对金属乐的挚爱和一种孜孜不倦的探索精神，Slagel和Metal Blade走向了更为成功的1985年。在这一年当中，Metal Blade不仅仅发行了Destruction、Slayer、Fates Warning和Sodom等伟大乐队的专辑唱片，而且Metal Blade唱片公司还从Slagel母亲的车库里搬了出来，并有了一间合适的办公室。

1985年，Metal Blade首次与Enigma/Capitol唱片公司结成联盟，他们联手进行唱片的出版、发行工作。直到1987年，Metal Blade被允许可以直接通过Capitol唱片公司来进行出版和发行。正因为有了这样 便利的条件，象Sacred Reich、D.R.I.、Fates Warning和Trouble等乐队又为Metal Blade增添了更多成 功的光彩。自此之后，Metal Blade载着金属乐以前所未有的速度向前奔驰着。Metal Blade为了强化及 加剧其带着切割性边缘的刀片风格，发掘出更为年少的天才，而成立了旗下的子公司Death唱片公司，其 下属乐队包括Corrosion Of Conformity、The Mentors、Cryptic Slaughter以及后来的Cannibal Corpse 和Atheist。

与此同时，Metal Blade所拓展的音乐风格又新增了另类音乐和成人摇滚音乐，这使得Metal Blade在 音乐上的眼界也愈发开阔起来。其新签的乐队有Pricess Pang、Goo Goo Dolls、Nevada Beach和Junk Monkeys 等，同时也发行了一系列大获成功的唱片，这样的直接后果便是打破了Metal Blade作为一个纯粹性和独占性的金属唱片而存在着的陈规老套。但另一方面，诸如Armored Saint、Lizzy Borden、D.R.I.、Trouble 和其他的一些极端金属乐队则支撑和增强了Metal Blade是金属音乐流派中不可替代的霸主地位与威名。

“只要我喜欢某类音乐，我就会签下它，”Slagel解释道，“不管它是金属、另类、工业、死亡或是其它什么音乐风格，只要我喜欢，我就会签下它。”在这样的思想指导下，Metal Blade迎来了它更为成功的 十年，90年代看来会使Metal Blade变得愈发繁荣兴旺起来。在Metal Blade的历史上不仅发行过GWAR、 Cannibal Corpse和Fates Warning等乐队的强有力的专辑，更在1990年，Metal Blade与庞大的Warner Bros. 唱片公司签订了一份全新的多层次出版发行协议。

“这些年以来，我们一直在失去一些乐队，他们都到了主流唱片公司，”Slagel承认道，“因为厂牌的哲学观点与思想允许提供一个让乐队自由选择的机会，地下或是主流。我们与Capitol、Warner唱片公司签立的协议会保障我们与乐队一起工作，并且跟随乐队一起达到下一个高峰，而且并不需要以失去他们来作为代价。我们的确不会失去这些乐队。”“当我们与Warner Bros.唱片公司的协议终结之后，我们确实很不高兴，因为我们合作得很愉快。于是我们又开始在每一个主流发行公司中挑选合作伙伴，而Priority则是最佳 的选择，它能很好地与我们一起来经营乐队。”

在与Priority、R.E.D.签订了双渠道出版发行协议的同时，Metal Blade还将其发行事务交给了一些独立厂牌，诸如Fifth Column和Unsafe Unsane，以此来进一步发展象Chemlab和The Organization这样的乐队。 Slagel在谈到1995年关于Metal Blade的发展姿态和方向时宣称：“我们之所以能取得今天的成就，是因为我们一直在寻找优秀的乐队。Metal Blade始终致力于发掘出全新的、与众不同的乐队，与他们签约并看着他们完成一件又一件的惊人之举。”

基于以上的这种观点，从创始之初直到今天的15年间，Metal Blade已经完成由一个具有独立精神并辛 勤工作的小子到一家皆尽天才并与主流出版发行公司签约的音乐厂牌的巨大转变过程。在1995年6月，Metal Blade在欧洲的办事处正式开设在荷兰阿姆斯特丹，但Metal Blade的最具气质和风格的标记却永远也不会变。正当这块锋锐无比的刀片以每分钟数英里的速度飞驰而过时，Metal Blade也始终未曾停息过半步的时间，象Grip Inc.、Skrew、Thought Industry和Beats The Hell Out Of Me等乐队再次擦亮并磨快了这把 金属刀片。

在硬摇滚和金属乐厂牌不断诞生并繁衍的今天，我们也回顾着金属音乐在昨日的辉煌与灿烂，于是Metal Blade不仅仅在这段光辉岁月中扮演着极为重要的角色，也被看作是金属乐的明日希望，更应该是整个金属 乐历史中最恢宏的篇章。

Pink Floyd 的堕落

作者：沈颢

因为Pink Floyd早已是个“迟暮的美人”，所以当我拿到美国Billboard榜连续上榜4周的新大碟《The Devision Bell》时，本没有幻想着能够重现其绝世魔力，所以我并没有失望。 虽然已经习惯了面对残局，但还是专心致志地想从《The Devision Bell》中寻找出一些乐队与生俱来的创造力，然而令人遗憾，整张大碟中充斥的是对以往作品的模仿，尤其是《Dark Side Of The Moon》中大量的音乐元素又被重新组合，但那已是20年前的时髦了。

Pink Floyd习惯于在大碟中注入一些纯音乐作品，这张大碟也不能幸免。第1首“Cluster One”便是纯音乐作品，可惜的是它似乎是70年代乐队自己的作品“Wish You Were Here”的剽窃之做，虽然它试图用电子噪音营造一种出人意表的宇宙感受，Pink Floyd似乎没有意识到近10年来电子音乐的庸俗化程度。这种情况在第4首“Marooned”中同样出现，它以持久的钢琴协奏为细细的主线，再加上刺耳单调的合成器、骗人的音响效果，差点使人误入陷阱。合成器破坏乐感已成为这一代新音乐的弱点，而Pink Floyd却偏偏如获至宝。 值得一提的是70年代Pink Floyd对环境音乐的创造性运用，比如说“Time”前奏效果中床边闹钟声、教堂钟声的干脆利落的使用，与后面的回音吉他、手鼓呵成一气，反射出时光的宁静。新大碟中再无这种天才式的创意。只是在最后一首“High Hope”中，自始至终我们都可以听到一种轻微的钟声，那就是这张大碟的主题：The Devisio Bell( 戴维逊钟声)。它指的是议会在要求议员表决前的提示钟声，钟声后议员已成为两个阵营，你要么反对，要么赞成。这似乎正是在影射Waters与Gilmour的分歧。

不过，尽管如此，我们还是奇怪地从这张大碟中发现Gilmour的演唱其实是对Waters噪音的一种离奇般准确的模仿。这种现象在“Come Back To Life”一曲表现得尤其突出，Gilmour的每一个乐句、每一个和声、每一个呼吸声都几乎带有Waters的特点。这首作品应说是此碟中比较优秀的作品，编曲极为丰富，你可以欣赏到Gilmour隐藏在Mason的鼓声中出色的吉他演奏。

此外，在“Lost For Words”中Gilmour随心所欲的演示同样使人迷醉。他的吉他演奏特点是似乎从来都不会惊慌失措。每当Gilmour进入他的音乐境界后，他似乎总想用吉他给你讲述一个有头有尾的故事。Gilmour的吉他便是此张大碟中值得我们欣赏的部分。

整张大碟中缺少如“Time”那样的另类风格的优秀作品，如果有，大概也就是那首“What Do You Want From Me”，但也只是简单的相似而已。不过碟中有两首歌值得注意，一首是“A Great Day For Freedom”，一脉相承了1980年《The Wall》的风格，幽雅的音乐，尖酸的嘲讽，一直便是Pink Floydd美德。在这首歌中，他又唱：“当国界线移动如同沙丘/而国家却躲在忧郁的阴影中/清洗着沾满鲜血的双手/那双手曾紧握光荣与历史。”另一首“Wearing The Inside Out”是此碟中最流畅的一首，也试图营造一种潮湿而诡异的音乐效果。“High Hope”是最后一首，也是这中大碟的主题，在贯穿整首作品的钟声隐显下，Gilmour的那种受伤感又浮现于整首歌曲中，是他演绎得最为成功的一首，可能是因为有感而发吧。音乐上的孤独，对忠诚友情的怀疑与珍惜，似乎就是这首作品传达的信息，也是整张大碟想表现的意义：岁月飞逝，Pink Floyd这个名字还能存在多久？

史上最重要的12张朋克唱片

作者：简巍

他们---无论是谁， 总是声称朋克改变了音乐世界。假如我们一旦听过一张Eater的专辑， 排行榜上恐怕就不 会David Bowie、 The Bee Gees、Elton John和那些弹吉他的长头发美国人的位置了。 当然，它从未发生。The Clash变成了The Rolling Stones （事情本身倒不是绝对的坏事，但是……），其它来自英国地下乐坛的朋克乐队也都分崩离析了。

但是， 有一条线贯穿始终，从The Stooges开始，经过英国的流氓们、The Pogues、Nirvana直到现在的Green Day， 他们在1977年时都只有五岁。它表明无所触及的朋克音乐实际上触动了方方面面。朋克包含伟大的精神，并且是许多美妙事物的催化剂，同时它因为创作出了一些光彩夺目的音乐而尽到了责任。以下是其中的12最佳：

The Adverts 《Crossing The Red Sea With The Adverts》，Bright公司，1978年出品 尽管在今天的朋克名人祠中The Adverts不是一个值 得吹嘘的名字，但是作为伦敦Roxy俱乐部的固定表演者， 它是确立这一音乐圈子的乐队之一。 歌手Tim Smith和贝 司手Gaye Advert结成的这一组合最初被The Damned乐队 的Dave Vanian发现， 组队一年后他们制作了首张朋克专 辑，其中包含大胆的旋律和深思熟虑的、充满反语的歌词。 开场曲One Chord Wonders标志出他们的音乐风格， 一首 讲述一名杀人犯被处决后将眼睛捐献出来的故事的歌曲博 得了各地假做多情的朋克们的喝彩。 最佳歌曲： Gary Gilmore's Eyes、 No Time To Be 21 精彩瞬间： 关于残疾人的歌曲 “Realising On Wheels”

Nirvana《In Utero》，Geffen公司，1993出品 这是Nirvana乐队最朋克的专辑。 经过专辑 《Nevermind》 的商业辉煌及其成功带来的疯狂之后， Kurt Cobain雇用了反商业制作人Steve Albini试图录制 一张尽可能原汁原味的专辑。它运用了比前作更丰富的音 乐素材，并且在其核心蕴含着袒露Cobain最深层的恐惧和 脆弱的用心。 像“Rape Me”这样个人化的歌曲的直面痛 苦的展现在现在做一回顾，也许可看作是一种警告，它在 当初被与这个烦恼歌手最亲密的人们所忽视。但是作为艺 术，这正是它的朋克所在。 最佳歌曲：Rape Me、Scentless Apprentice 精彩瞬间： 歌曲“Radio Friendly Unit Shifter” 中的自厌情绪

Buzzcocks《Love Bites》 ，United Artists公司， 1978年出品 曼彻斯特的Camp Punk奠立于Pete Shelley与众不同 的嗓音和一些粗声粗气的狂呼乱叫的流行歌曲之上。歌曲 “Ever Fallen In Love （With Someone You Shouldn't've）”达到第12名，并将全国朋克的目光引向 即将面世的专辑《Love Bites》 。该名称暗指Shelley在 Howard Devoto于1977年3月离队后开始控制的对少年性焦 虑的迷恋。《Love Bites》是快速、狂暴和自恋的专辑， 对于那些想再次回味自己的第一次性行为的人来说是绝好 的专辑。 最佳歌曲：Ever Fallen In Love…、E.S.P. 精彩瞬间： 歌曲“Ever Fallen In Love”的最后10 秒。